La rigidità dei nostri  schemi  mentali e culturali porta a erigere barriere protettive per tenere fuori tutto ciò che può mettere in discussione le nostre omologate e confortanti certezze.
Mi rendo conto di quanto la variegata reazione emotiva della gente comune, le condizioni luminose, la brezza, gli odori, i rumori della Milano che corre abbiano contribuito e siano stati parte integrante di questo evento, tramutandolo nella globalità degli elementi, da performance ad accadimento artistico.

Nila Shabnam Bonetti
Presidente di Laboratorio Alchemico
Il testo critico che ha accompagnato l’evento racchiude già quanto si voleva esprimere con Kathèuda e quali fossero le riflessioni a cui si voleva portare. Vorrei quindi solamente evidenziare, a performance avvenuta, di come il confronto con il pubblico abbia generato molto più di quanto ci si aspettasse:  le più disparate reazioni positive (molte) e negative (poche ma altrettanto significative) nei confronti delle dormienti, hanno sottolineato la capacità della performance di cogliere innanzitutto quell’aspetto inscindibile dal nostro essere corpo che è il darci un luogo, far proprio uno spazio, aderirvi e ridestarne sensi nascosti. Ciò che ha colpito e incuriosito non è stato tanto l’eccentricità dell’evento, quanto il fatto che le performers non fossero affatto rivolte verso i passanti, verso la città, anzi davano proprio segno di non curarsi affatto di tutto ciò.  I passanti si sono trovati colti alla sprovvista perché le quattro figure femminili erano nella maniera più chiara (dormendo appunto) completamente raccolte in se stesse. E l’efficacia di questo riappropriarsi del proprio luogo è dato dal fatto che le dormienti, nella loro sospensione-ritualizzazione del momento di passaggio specifico che ognuna rappresenta,  si sono fatte evento recuperando quello spazio pubblico che il passante, proprio in quanto vive-di-passaggio (per strada come nella vita), non può far proprio.

Marco Garegnani
Vicepresidente di Laboratorio Alchemico
Breve dialogo tra passanti
-passante1: ma che sta male?
-passante 2: si.
-passante 3: eh si sta venendo l’ambulanza.
-passante1: oddio!
-io:  …
-uomo dell’ambulanza:  signorina?
-io:   …
-uomo dell’ambulanza:  signora?
-io:  …
-uomo dell’ambulanza:  signora?
-Nahid, collaboratrice:  no,no,no! è una performance d’arte contemporanea!
-uomo dell’ambulanza:   come?
-Nahid, collaboratrice: non sta male. è arte contemporanea.
-uomo dell’ambulanza:    …..
-Nahid, collaboratrice: sta recitando.
-uomo dell’ambulanza: ah! tranquilli è arte contemporanea!
-passante1: uh signur!

Carlotta Origoni
Attrice, Gestante in piazza Fontana

Evento con il Patrocino dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano

Sponsor ufficiale San Carlo S.p.A.

RASSEGNA STAMPA

Pubblichiamo alcuni collegamenti ad articoli e photogallery dell’evento.
Corriere Della Sera
Repubblica
Cronaca Milano

RASSEGNA FOTOGRAFICA

Kathèuda è una performance d’arte contemporanea, rivolta al pubblico dei passanti, che avrà luogo mercoledì 26 maggio 2010 a Milano, dalle ore 17.00 alle 19.00 via Dante, Galleria Vittorio Emanuele II, Piazza Fontana e Piazza Sant’Eustorgio.

Si tratta di quattro figure femminili dormienti (sdraiate, immobili), ognuna delle quali sarà presente in uno dei quattro punti menzionati della città. Le figure rappresentano quattro momenti significativi nella vita della donna: menarca, matrimonio, gravidanza e lutto.

Contenuti e significati

L’evoluzione individuale di ogni essere umano è strettamente legata alla preparazione e al superamento di tappe imposte dalla società cui egli appartiene. Ogni percorso si divide in mete: raggiungerle e porsene altre è parte integrante della vita di ognuno di noi, che questo avvenga più o meno consciamente. E questo è un fenomeno trasversale per tutte le culture, siano esse tradizionali, quindi ancora fortemente legate al sacro, o moderne, occidentali, tecnologiche.

Tutto questo presuppone che prima di raggiungere un obiettivo e dopo averlo raggiunto ci si senta due persone diverse. Cambia il nostro status sociale e la percezione che abbiamo di noi stessi, ma anche quella degli altri nei nostri confronti. Da un istante all’altro ci troviamo cambiati, rivestiamo un nuovo ruolo e si presentano nuove responsabilità, nuove aspettative.

Nel progetto Kathèuda (quattro scatti fotografici e performance) vorremmo porre l’attenzione su cosa sancisce il passaggio da uno stadio esistenziale a un altro, ovvero i riti di passaggio come fenomeno universale e necessario per tutte le culture del mondo.

Abbiamo scelto di rappresentare figure femminili per ovvia sintonia e perché la donna si trova ad affrontare fenomeni affascinanti nel corso della propria vita, primo fra tutti la gravidanza.

Il rito di passaggio, che si tratti della cerimonia di nozze tra i Khond dell’India meridionale o di una laurea occidentale, presuppongono un graduale investimento di energie per raggiungere lo scopo, che culmina, al termine dell’iter, in una cerimonia, un riconoscimento pubblico che garantisce il passaggio di stato. Andando a indagare microscopicamente i rituali, che siano essi rigidamente strutturati o che lo siano approssimativamente, vorremmo poterci concentrare sul suo momento culminante, potendo individuare un ipotetico istante in cui il soggetto della cerimonia transita da uno stadio a un altro come sospeso tra una zona e l’altra, senza essere nulla. In quella specifica frazione temporale vorremmo poter immaginare la figura femminile interpretare quel “nulla” attraverso l’allontanamento da se stessa che solo il sonno e la morte possono permettere. In un momento culminante, in cui l’essere se stesse è al centro dell’attenzione di tutti, le figure dormienti si estraniano, rendendo eterno quell’istante in cui il “non essere” è una condizione imprevista, come sottraendosi all’indispensabile socialità richiesta ad ogni individuo. Questo apre una riflessione sull’essenza del nostro essere,  sul nostro essere a prescindere dalla società cui apparteniamo, quindi potremmo definirlo una sorta di “non essere”, perché estraniarsi dalle proprie radici culturali e sociali vorrebbe dire cancellare la nostra identità, raggiungendo una profondità interiore nascosta e primordiale.

Le figure scelte rappresentano quattro passaggi importanti nella vita della donna: primo ciclo mestruale (menarca), matrimonio, parto, lutto. Ognuna di queste figure è riconducibile alle stagioni, così come è possibile “riconnettere le cerimonie dei passaggi cosmici alle cerimonie di passaggio umane” (Arnold Van Gennep, I riti di passaggio. 1981, Bollati Boringhieri, Torino, pag. 6). Ognuna della figure è strettamente legata all’ambientazione architettonica in cui è inserita, scegliendo come città Milano. Il colore dell’abito che indossano ha un preciso significato. Il menarca, in abito rosso, in via Dante, la rinascita della natura e la maturità sessuale; fa da sfondo il Castello Sforzesco che richiama una dimensione fiabesca, legata ancora all’infanzia. Matrimonio, in abito bianco, la donna che raggiunge la piena maturità emotiva e sessuale, nella Galleria Vittorio Emanuele II, al centro dell’intersezione delle due braccia della struttura, come l’incontro della donna con l’amore, un luogo coperto e protetto dalle intemperie, così come l’unione coniugale è fonte di protezione e sostegno.

La gravidanza, abito verde, in Piazza Fontana, l’acqua come fonte di vita. La figura che si confronta con il lutto, abito nero, la natura si addormenta. Il luogo scelto è piazza Sant’Eustorgio con di sfondo la Basilica intitolata al santo, luogo sacro, di raccoglimento e riflessione, abbandono e conforto nella fede, chiusura del ciclo esistenziale.

Evento con il Patrocino dell’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano

Sponsor ufficiale San Carlo S.p.A.

Le piccole case-opere d’arte saranno esposte da giovedì 1 aprile a domenica 11 aprile 2010 nell’Atrio dell’Aula Magna del Museo Civico di Storia Naturale di Milano.

Dal 14 aprile 2010, data che coincide con l’inizio del Salone Internazionale del Mobile di Milano, sarà possibile vederle installate sugli alberi dei Giardini Pubblici Indro Montanelli, meta inoltre di un percorso di Bird Watching organizzato dall’Associazione Onlus LIPU.

Il progetto si avvale del Patrocinio del Comune di Milano, con l’appoggio del Garante degli animali, e della sponsorizzazione di San Carlo S.p.A.

“Questa è la vera natura della casa: il luogo della pace; il rifugio, non soltanto da ogni torto, ma anche da ogni paura, dubbio e discordia.” (Sesamo e gigli di John Ruskin).

Il progetto delle Bird Houses nasce come riflessione sul concetto di casa nelle sue molteplici accezioni. Le case per piccoli uccelli di città, dipinte da artisti contemporanei, fanno riferimento all’idea di abitazione come manifestazione della creatività individuale e come luogo di riparo dalle insidie del mondo, sollecitando un’ampia riflessione sulla necessità di un’edilizia pubblica e privata che tenga conto del parere dei cittadini/abitanti e una riflessione sul piano della tutela  delle singole realtà famigliari, abitative e domestiche, dove troppo spesso si consumano realtà di disagio che restano all’oscuro. Donando così una casa ai piccoli volatili che popolano numerosi la nostra città. Ognuno merita il suo luogo di pace, secondo la definizione di Ruskin.

Parteciperanno gli artisti:

Silvia Argiolas, Luca Beolchi, Berse, Gaetano Fracassio, Andrea Francolino, Beli Karanovic, Federico Lupo, Florencia Martinez, Michael Rotondi, Miriam Secco, Siva,  Dany Vescovi

Nila Shabnam Bonetti

Le Opere

49 Photos

L' Evento

23 Photos

Laboratorio Alchemico, impegnandosi in attività espositive e legate alla didattica dell’arte, rivolge uno sguardo privilegiato al tema dell’infanzia. Richiamando un gioco fanciullesco infatti, chiederemo ai fortunati che riceveranno tale prezioso regalo dal cielo, di scriverci una mail o una lettera per informarci di aver ricevuto l’opera d’arte.
Il tema che vorremmo affrontare è la distanza tra la giovane arte e il resto del mondo, poiché spesso essa resta relegata nel mondo degli addetti ai lavori. Regalare un’opera a uno sconosciuto è un gesto simbolico il cui fine è quello di coinvolgere tutti nel mondo dell’arte. Vorremmo, per una volta, liberare l’arte dalla componente economica, che la rende un prodotto di mercato, alleggerendola e fornendole un nuovo significato, facendola piovere dal cielo quasi come un dono divino.
Per un artista l’atto di creazione, dall’idea alla realizzazione, all’osservazione dell’opera completa, è paragonabile al concepimento e alla nascita di un figlio, è una vera parte di sé che prende vita autonoma nel mondo. L’atto di liberazione e abbandono dell’opera a un destino incerto, in balìa del vento che la porterà chissà dove, è quasi riconducibile a un’azione rituale di separazione dalle cose terrene, rompendo ogni vincolo tra opera e artista, separando l’individuo da una delle cose a lui più care al mondo. Una rinuncia che si fa sorpresa e dono per qualcun altro che, sempre per ricordare la vacuità di tutto ciò che è terreno, potrebbe non cogliere il grande valore di quel foglio leggero, magari anche gettarlo via.

The Associazione Culturale Laboratorio Alchemico reaches the first year of activity and would like to celebrate the birthday with partners, artists and friends.
On Sept. 30, 2009, we will meet together at 6pm in piazza del Duomo, Milan. We expose little works on paper by various artists who have taken part in the performance, and then we set rose and black balloons with works hung up free in the sky.

Laboratorio Alchemico asks the lucky ones who will received these precious gifts from the sky to get in touch whit our association by mail and inform us they have received the work of our artists.
We would like to set the Art free from businnes, art galleries and museums. We want to face the distance between Art and world, we try to involve everyone in the world of Art and give the Art a new symbolic meaning: not an economic one but a new light meaning, light as the air where balloons will fly with the works of our artists.
From planning to production, from designing to exposition, a work of art is like a birth of a child. The artist gives it life, and then it lives and moves away, little by little, towards its own destiny, carried by the gentle wind or creased, even destroyed, by merciless storm. Like a ritual, the artist separates himself from the material world and from the thing he loves most: his work. This abandonment could become surprise for someone else who received the work of art as a gift from the sky.

Artisti Partecipanti
Anonymous Art, Matteo Antonini, Silvia Argiolas, Emanuela Bartolotti, Luca Beolchi, Marta Bernareggi, Berse, Beppe Bonetti, Katherine Bottellini, Mirko Canesi, Gianluca Capozzi, Maurizio Carriero, Jacopo Casadei, Marco Cassani, Giulia Cassano, Luca Cervini, Alessia Cocca, Mauro De Carli, Antonio Dell’Isola, Pierpaolo Febbo, Fiorella Fontana, Nicola Genovese, Laura Giardino, Alessandro Giordani, Silvio Giordano, Agnese Guido, Beli Karanovic, Maurizio L’Altrella, Federico Lupo, Giovanni Manzoni Piazzalunga, Florencia Martinez, Valentino Menghi, Marco Minotti, Dario Molinaro, Pastorello, Mirka Pretelli, Alicia Puma, Luca Reffo, Giuliano Sale, Miriam Secco, Emila Sirakova, Siva, Vito Stassi, Cristina Stifanic, Beppe Volpini, Giulio Zanet, Angela Maria Zucchetti

Sabato 9 MAGGIO
I MIEI AMICI (immaginari)
di Silvia Argiola & Nila Shabnan Bonetti
in mostra Luca Beolchi

Come ben ricorderete, ognuno di noi da bambino aveva un amico immaginario.
Un animale bizzarro dall’aspetto semi-umano o una creatura fantasiosa completamente inventata, una persona vera dall’aspetto simpatico o magari un coetaneo: l’amico immaginario tiene compagnia ed è un complice invisibile che sostiene nelle piccole prove quotidiane.
Un alleato e un amico che non abbandona nel momento del bisogno.
Nel corso del laboratorio i bambini saranno invitati a disegnare su dei post-it i loro amici immaginari, quelli che hanno e quelli che vorrebbero, creandone di nuovi con la fantasia e ispirandosi ai curiosi personaggi delle opere di Luca Beolchi

Sabato 30 MAGGIO
BiDiDi BoDiDi BU
Crea lo spazio che vuoi tu
di Florencia Martinez & Nila Shabnan Bonetti
in mostra Silvia Argiolas

Il laborario si avvarrà della passione di Florencia Martinez per stoffe e tessuti, la quale coinvolgerà i piccoli partecipanti in un colorato esperimento:
dare una nuova ambientazione ai personaggi creati dalla fantasia dell’artista in mostra, Silvia Argiolas.
I bambini saranno invitati a creare attraverso la pratica del collage, accostamenti inconsueti di tessuti che diventeranno uno sfondo fantasiosi in cui inserire le immagini cartacee protagoniste delle opere esposte.

Sabato 4 LUGLIO
BABY SUMMER
EXTRA SMALL
di Emanuela Bartolotti & Nila Shabnan Bonetti
in collettiva artisti arsprima

Il laboratorio propone ai bambini la possibilità di realizzare delle opere d’arte di piccolo formato, così come richiesto agli artisti che parteciperanno alla mostra collettiva che si terrà presso arsprima a luglio, dal titolo SUMMER EXTRA SMALL.
Nel laboratorio verranno selezionati diversi tipi di supporti e materiali con cui lavorare e i partecipanti potranno esprimere la loro creatività scegliendo liberamente l’approccio espressivo che preferiscono.
Il laboratorio si pone come punto d’arrivo dei precedenti incontri e permette al bambino di intraprendere e sviluppare la strada che preferisce, magari mischiando le tecniche acquisite nelle precedenti esperienze di laboratorio. Le opere realizzate verranno esposte insieme a quelle degli artisti della mostra collettiva Summer Extra Small il 23 luglio.

L’impegno di arsprima è quello di diffondere e valorizzare la passione per l’arte contemporanea, dando supporto a un gruppo di artisti selezionati, alcuni emergenti altri più affermati. L’incontro con il giovanissimo progetto Laboratorio Alchemico ha portato a una reciproca riflessione sull’importanza dell’arte nella formazione di un individuo, comunicando questo interesse fin dall’infanzia. Si è pensato di impegnare insieme le energie avvicinando artisti e bambini con una concreta interazione attraverso i laboratori didattici.

“CLICK CLICK. Laboratorio per piccoli fotografi” vedrà l’artista e fotografa Emanuela Bartolotti impegnata nel fornire ai piccoli partecipanti i primi strumenti di ripresa fotografica still-life, utilizzando come soggetto il giocattolo, tema caro alla sua ricerca artistica. Il laboratorio si aprirà con una breve storia della fotografia tenuta da Nila Shabnam Bonetti, giovane curatrice e membro fondatore di Laboratorio Alchemico, sulla fotografia e sui procedimenti che verranno attuati, in modo che si fornisca una collocazione e definizione di ciò che i bambini si accingono a fare…

L’obiettivo del laboratorio “CLICK CLICK” è quello di far sì che i bambini prendano confidenza con il mezzo fotografico, impartendo semplici regole tecniche e mostrando che spesso l’arte si cela dietro alle cose più semplici…
arsprima e Laboratorio Alchemico vorrebbero riuscire ad avvicinare i ragazzi ai giovani artisti contemporanei, i cui lavori sono spesso relegati nelle mura delle gallerie d’arte. Con questo laboratorio verrà mostrato l’aspetto ludico della fotografia e si incoraggeranno i piccoli partecipanti ad esprimere liberamente la fantasia…

L’impatto iniziale, davanti a un’opera di Cervini, è spiazzante. L’osservatore oltre a misurarsi con una fitta superficie carica di colore e di figure emblematiche e grottesche, si trova a indagare incuriosito la consistenza stessa dell’opera per riuscire a coglierne l’essenza. “Pittura o fotografia?” È la prima domanda che viene da porsi, poiché non è immediatamente comprensibile e questo disorientamento percettivo aggiunge mistero alle opere. Cervini assembla e manipola fotografia e pittura intervenendo sull’immagine attraverso software grafici, strumenti di lavoro non troppo diversi da quelli tradizionali (pittura, collage) ma che sussistono in forma virtuale. L’artista sfrutta al massimo le infinite possibilità che la tecnologia digitale mette a disposizione, come Massimo Cremagnani afferma “Nel computer non esiste nulla, quindi si può fare di tutto” (Manifesto Amplificato dell’Arte Digitale Figurativa”), e Cervini fa tesoro di questo assunto applicandolo a una ricerca carica di significati simbolici e tesa a riflessioni profonde che investono inevitabilmente lo spettatore.

Nila Shabnan Bonetti
“Ridurre l’immaginazione in schiavitù, fosse anche a costo di ciò che viene chiamato sommariamente felicità, è sottrarsi a quel tanto di giustzia suprema che possiamo trovare in fondo a noi stessi” ( André Breton, Manifesto del Surrealismo, 1924). Cervini è svincolato dall’ossessionante necessità degli artisti di creare opere che abbiano un riscontro nel mercato dell’arte, riesce quindi a esprimersi liberamente, proiettando nei suoi lavori gusto e immaginario personali attraverso una efficace sequenza narrativa che si richiama al Simbolismo.

Come è possibile vedere in mostra, il computer trova una nuova applicazione, nobilitato attraverso il superamento della sua funzione originaria e in un certo senso attraverso la negazione di sé (come mero strumento di calcolo). Come ogni scoperta dell’uomo, anche il computer è stato soggetto a un’indagine che ne ha mostrato le infinite potenzialità, osservandolo sotto più punti di vista, decontestualizzandolo, fino a riscattarlo e renderlo strumento di creazione artistica.

Il critico e curatore Renzo Margonari si è fatto portavoce e sostenitore dei giovani artisti che si occupano di “foto-pittura”, e ci suggerisce come ignorare il fenomeno digitale renderebbe colpevoli d’oscurantismo, nonostante la difficoltà di trovare comprensione e accoglimento nel mercato artistico.

Le suggestionanti opere di Cervini impressionano per la molteplicità di emozioni che sono in grado di suscitare e riusciranno a proiettare l’osservatore all’interno di visioni oniriche grazie a una sapiente miscela di finzione e realtà, di pittura e fotografia.

Laboratorio Alchemico parteciperà alla Fiera Inverart, con uno stand dedicato al rapporto tra ARTE E INFANZIA

In mostra opere di Valentino Menghi, Siva, Emanuela Bartolotti e Miriam Secco.

Per maggiori informazioni (orari, strada, servizi) www.inverart.it
oppure contattateci al numero 349. 84 52 986

Killnoir si è trovata quasi inconsapevolmente affibiato l’appellativo di “artista”. Il suo è uno dei rarissimi casi di modestia nel mondo dell’arte: nonostante l’innegabile valore poetico della sua produzione, non ama definirsi un’artista e preferisce valutare le sue opere semplicemente come una forma di “esorcizzazione di paure e ansie”. Dietro allo pseudonimo killnoir si cela una trentenne fotografa ligure che ha ereditato per via paterna la passione per lo scatto e il cui percorso creativo si è mosso all’insegna di una ricerca introspettiva e psicologica, utilizzando il proprio corpo come strumento espressivo. La sua predilizione per il supporto fotografico va ricercata soprattutto nell’immediatezza di questo mezzo che permette all’artista di registrare quel vorticoso flusso di immagini interiori evocate dal suo background , da cui trae ispirazione l’accurata selezione di oggetti tematici predisposti ritualmente sul suo set fotografico. Ma definire killnoir “fotografa” è riduttivo poichè ella fa molto di più: è una vera body-artist e pone se stessa, il suo corpo e la sua intimità sotto l’occhio dell’obiettivo fotografico, diventando l’unica vera carnefice e vittima del suo violento, sensuale e sanguinario teatro, che altro non è che una metafora dell’esistenza umana, spesso in balìa di pulsioni autoreferenziali di contrapposta natura.

Killnoir si chiude nelle sue stanze buie, si circonda di tutto ciò che stimola il suo “piacere puramente visivo e sensoriale” mettendo in scena situazioni perfettamente connotate e così racconta la sua storia, usando la fotografia come unico ed eterno testimone di quel preciso istante carico di significati. Il suo corpo lacerato (“il sangue è il pianto della carne”), consapevolmente martirizzato e conseguentemente rimesso dal peccato viene offerto allo spettatore come strumento di identificazione e quindi di purificazione collettiva.

Le opere di killnoir sono raramente a colori. La predilizione per il bianco e nero è perfettamente in linea con il suo immaginario crudo, schiettamente provocatorio e prepotentemente erotico. Aggiunge un inquietante atmosfera il forte contrasto luminoso che si crea tra il soggetto e lo sfondo, che impone sfacciatamente il protagonista della foto (spesso l’artista stessa) sotto gli accecanti e glaciali flash di una fotografa-serial killer.

L’attenzione maniacale e ripetitiva per la registrazione del delitto va inserito all’interno di un piano che mira a evocare ed esorcizzare la paura, rendendola spettacolare e mettendo in luce il lato fortemente estetizzante di un bellissimo corpo ferito.

Killnoir, oltre a vantare un originale e sofisticato linguaggio, è anche una donna che ha saputo coniugare arte e vita, utilizzando la fotografia come strumento di liberazione dal dolore dei propri ricordi, mostrando in modo disinibito il proprio corpo e rendendolo uno dei preziosi oggetti/soggetti delle sue foto, che insieme a forme, suoni, luci creano l’inconfondibile “stile killnoir”.

Nila Shabnan Bonetti

Sartorius: “Noi non vogliamo affatto conquistare il Cosmo. Noi vogliamo allargare la Terra alle sue dimensioni. Non abbiamo bisogno di altri mondi. Abbiamo bisogno di uno specchio.”
Solaris (Russia 1972), di Andrej Tarkovskij

Mentre nella galleria Stragapede & Perini stiamo esponendo in anteprima le nuove opere di Marco Minotti, al Louisiana Museum di Humlebaek, vicino a Copenhagen, si sta tenendo una grande esposizione dedicata alla tradizione Manga: 200 anni di storia per immagini che illustrano le origini e l’evoluzione del fenomeno, fino a mostrare l’influenza che essa ha avuto sull’arte nipponica contemporanea. Mentre per noi europei il Manga (termine giapponese che significa fumetto) è direttamente associato a una forma di intrattenimento “leggero” per ragazzi, in Giappone trova invece radici e valori culturali profondi. Per dirne una, la mostra danese espone l’ Hokusai Manga del 1814, testimoniando come il grande maestro Hokusai per primo elevò alla sfera artistica illustrazioni dedicate alla vita quotidiana e tradizionale giapponese. I nuovi lavori di Minotti attingono dal vasto repertorio di personaggi appartenenti al fumetto giapponese, in particolare al genere Shoujo Manga (sentimentali), Hentai Manga (erotici) e Shonen Manga (azione) ed è possibile riconoscere citazioni agli autori Toshihiro Hirano, Rumiko Takashi, Narumi Kakinouchi.Ma per comprendere meglio i nuovi lavori di Minotti è necessario seguire l’evoluzione del suo percorso artistico, che di recente lo ha portato ad un evidente cambiamento poetico senza però allontanarsi dall’anima della sua ricerca. La precedente produzione dell’artista si concentrava sulla rappresentazione di moderne nature morte in cui seducenti fiori multicolori erano gli incontrastati protagonisti della tela con un risultato estremamente decorativo. I suoi “fiori del male” seducono, intrappolano lo sguardo e risucchiano l’osservatore fino alla fusione con il colore puro, in un’estatica e incosciente beatitudine. La bidimensionalità di queste prime composizioni cede lentamente il passo a tornite e visionarie scene di un folto e onirico sottobosco, popolato da farfalle, variopinti fiori, bolle di sapone, esplosioni di polline. Nei nuovissimi lavori esposti rimangono tracce dei precedenti appena illustrati, come ad esempio il gusto per il colore: ricco di variazioni, caldo, esotico, che si manifesta in un equilibrato gioco di complementari. Ma soprattutto persiste la grande carica espressiva dell’artista, il gusto per il decorativo e la voracità con cui i soggetti delle opere traggono a sé l’osservatore per proiettarlo in una dimensione che va oltre la tela.Nelle nuove opere il suo linguaggio si impregna di critiche sociali, citazioni contemporanee, alla Pop e New-Pop Art, in un’evoluzione che muove dalla ricerca introspettiva e ricettiva, alla creazione di un ponte verso l’esterno, rivolto all’assimilazione di un linguaggio moderno e a uno sguardo incuriosito e a tratti disincantato sul mondo. Con la nuova produzione abbandona le sfumature per rappresentare il colore puro e fiero. I fiori, essenziali e monocromi o turgidi e carichi di colore, sono un tema che non si va a perdere nella pittura di Minotti: da protagonisti della scena divengono cornice e supporto per una serie di efficaci “slogan per immagini”, frequenti nel nuovo codice espressivo New-Pop che l’artista ha abilmente fatto proprio.Molte delle nuove tele sono contraddistinte da un fitto flusso narrativo ascendente e discendente (in sintonia con le opere di Chiho Aoshima) che crea un vivace, ludico e vorticoso dialogo tra gli elementi, il cui moto convulso straborda dalla tela per coinvolgere in questa danza d’immagini l’osservatore. Le opere più piccole citano il passato attraverso la forma del ritratto femminile. Immortalando ingenue o sensuali eroine Manga al posto di eleganti nobildonne, sembrano però compiere un’ironica smitizzazione del severo genere del ritratto, che viene qui ricondotto a rappresentazione di idoli della moderna cultura globalizzata.Le opere di Minotti sono ludiche, dinamiche, cariche di erotismo e invogliano l’osservatore a indagare i minuziosi dettagli compositivi, mettendo in luce la rinnovata padronanza tecnica della sua pittura. Segnano un passo avanti nella produzione dell’artista pur essendo perfettamente in linea con il suo passato.

“Ripetei per più notti l’esercizio di uscita dal corpo fisico, visualizzando le energie che si sprigionavano sotto forma di impulsi di luce colorata, continuando a ripetermi che io sono Siva”
Siva, Autobiografia

La loquace simbologia Pop, il cervellotico assemblaggio di immagini, la forza del colore pieno sono i punti di contatto tra la pittura di Marco Minotti e Siva. In nero vestito, pacato e riflessivo (pare uscito da un récit décadent ), Siva ha intrecciato arte e vita attraverso una ricerca spirituale ed esoterica che si rivela pienamente nelle sue opere. La matericità che caratterizzava la sua precedente produzione pittorica, per lo più a olio e bitume (“strani bambini con occhi da adulti che giocano con oggetti non propriamente adatti al mondo dell’infanzia” come lui stesso li definisce), si ripresenta in chiave aggiornata nei lavori in mostra che ormai sono identificativi del nuovo percorso tematico e stilistico intrapreso dall’artista, confermando la sua convinzione che quel bitume diluito con il medium giusto si sarebbe potuto trasformare in oro. Ed eccolo allora sostituire ai vecchi mezzi, nuovi e preziosi strumenti di lavoro: tessuti colorati al posto della tela, acrilici viola, verde e oro, texture barocche, sintesi decorative Art Nouveau , papiér collé . L’artista-alchimista Siva intraprende un’esperienza che richiama quella Ernstiana e realizza, come lui stesso suggerisce, “quadri iperbarocchi che per me sono veicoli di espansione della coscienza”. L’arte diventa un rituale, sperimentando una spontanea spersonalizzazione atta al superamento della soggettività; così Siva diventa il tramite fisico attraverso cui forze maggiori si manifestano e oggettivano, utilizzando un codice espressivo proprio del vasto immaginario e del background dell’artista, i cui elementi costitutivi però diventano uno strumento in balìa di entità esterne. In questo processo una grande varietà di soggetti appartenenti al quotidiano vengono immortalati e modificati trasmutandone l’essenza: il soggettivo oggettivandosi, elevando “il simbolo a segno universale”, sacralizzando emblemi dell’immaginario comune, svuotati dal loro significato e riempiti di un valore assoluto.L’artista, nella catartica e mistica fase creativa, muta l’essenza della realtà nel magico “luogo” della tela e contestualizza questo processo nello psicheledico “Giardino Cosmico” traboccante di delizie. Gli elementi vegetali e floreali sono una stilizzazione decorativa e ci suggeriscono la innovativa suggestione prospettica architettata dall’artista; vi è una messa a fuoco che si sviluppa su tre livelli della rappresentazione: un primo livello in cui le figure sono tridimensionali, ricche di dettagli e sfumature, un secondo livello bidimensionale, con elementi monocromi, e un terzo livello che è lo sfondo, il tessuto, che rende un suggestivo effetto di profondità quando viene usato l’iridescente tessuto caramella. Questo artificio da l’impressione all’osservatore di fare parte (come quarto livello) dell’opera stessa e si sente mosso dall’istinto di addentrarsi tra le fronde degli alberi del giardino, Eden di infinita beatitudine. Per tematiche e stile è rintracciabile un’attinenza con la ricerca della “Scuola del Realismo Fantastico di Vienna”, con cui condivide sacralità, ricchezza narrativa, forza del colore, tendenza visionaria.Un altro momento importante nella formazione di Siva è stato l’incontro con l’opera dell’eclettico Alejandro Jodorowsky e, di conseguenza, con i tarocchi che diventeranno soggetto delle sue opere più recenti: eleganti papiér collé in cui i soggetti sono ispirati ai tarocchi di Marsiglia Camoin, restaurati proprio da Jodorowsky e Philippe Camoin.Nella sospesa sintesi del “Giardino Cosmico” di Siva tutto ha un valore a se stante; gli elementi rappresentati danzano in un perfetto equilibrio formale e cromatico e svelano la ricerca estetica dell’artista che si manifesta accostando insieme immagini rassicuranti e inquietanti, elementi propri dell’immaginario collettivo, per spiazzare lo spettatore in un conturbante gioco che evoca emozioni contrastanti.

Per i ragazzi con gli occhi a caleidoscopio il mondo è una molteplicità di strutture simmetriche create per mezzo delle combinazioni di specchi e pezzetti di vetro colorati.Questi ragazzi non hanno perso l’infantile capacità di vedere la realtà a colori.